#Inesperados | “Graffitis”

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“Graffitis”

Mi  manera de ver, analizar y reflejar  las expresiones “en pintas gráficas” de las protestas iniciadas en de Febrero del presente año.
Por:

Roberto Loscher

Fotógrafo publicitario Freelance, dice estar en retiro y cuenta con orgullo que aun puede salir a la calle, empuñar su cámara y disfrutar así de sus 64 primaveras.
Si tuviésemos que definirlo, lo haríamos con esta, su frase: “Ring 64 es una buena rueda alrededor del carrusel de  esta particular vida”
Disfruten esta peculiar serie, resultó ser para nosotros una verdadera sorpresa…

Para contactar a Roberto:

bhertol@gmail.com

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#LaPajuela | Gusto o recurso.

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Al entrar al estudio de un fotógrafo de voz tenue y hablar pausado, el cerebro —racional y aburrido— imagina que su ambiente de trabajo se asemeja al de un monasterio. Paz y silencio. Paz había. ¿ Cómo no ?, cuando se está rodeado y en constante creación de arte. Pero el silencio tomó su pase libre y se fue de paseo.

Entonces, ves a este profesional sentando frente a su computador en plan de editor de fotos. Luego, los murmullos entre los presentes son opacados por un sonido más agradable: la música. En ese punto, uno espera que, por la naturaleza paciente e incluso solemne de aquel hombre, el único sonido agradable a sus oídos sean piezas como las de Mozart. Sin embargo, la expectativa te sacude a escala Richter cuando la voz de Jason Mraz endulza las cornetas, los oídos, y las sonrisas.

Desconozco si aquella selección responda al gusto del fotógrafo o simplemente fue un intento de suavizar la atmósfera para relajar al modelo de turno, un muchacho que posa simulando tocar una guitarra. Pero, ¿por qué no hacer la prueba ?, Jason Mraz ayudaría a relajar los músculos cuando se tiene frente al lente el trabajo de retratar un joven en su primer encuentro con la cámara.

De hecho, sumémosle kilometraje a este vehículo llamado música. En lugar de Mraz, hagamos la prueba: Simón Díaz, AC/DC, Jennifer López feat Pitbull y un prolongado etcétera de géneros musicales. ¿Por qué recurrir al elevado coeficiente intelectual y capacidad creativa de “cantantes” como Pitbull?, Sencillo: La desesperación tiene nombre cuando notas cómo una bebé de un año decide, después de una hora de llanto ante los flashes, deleitar a quien la retrata con su mejor colección de sonrisas al escuchar On the floor, uno de los tantos dúos del puertorriqueño.

Gusto o recurso, esa “sucesión de sonidos modulados para recrear el oído” que define la RAE como música, nos remienda el alma a todos, sin distinción, regalándonos dosis de endorfinas sin calorías, sin remordimientos.

En esta columna, la pajuela dejará de ser instrumento para convertirse en inspiración, o tal vez, solo sea un vil eco que le da nombre a un tormento de ideas que encuentran paz cuando las teclas del computador suenan sin parar. Una u otra, ella me dejará probar que la música es la menta que nos refresca el pensamiento, estemos tristes o contentos, seamos filósofos, carpinteros o “bichos” que miran distinto.

@Marlyn_Silva
Fotografía:

Gilles Grivolla, por Ricardo Arispe.

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#EnFormación | “La Muralla”

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“La Muralla”
Estructuras que bajo su fachada de progreso y bienestar esconden una sociedad cuartada de oportunidades, que ha sido llevada a esta circunstancia y forma de opresión sin saberlo.

 

Alejandro Velásquez

Diseñador gráfico y aprendiz de fotógrafo, entusiasta del cine y de cualquier medio que permita relatar y apreciar historias…  siempre interesado el incongruente comportamiento humano y admirador de la ciencia o todo lo que signifique progreso para la humanidad.
Correo: Velasquezvilla88@gmail.com
Twitter: @V88Alejandro
Instagram: V88Alejandro
Flickr: V88alejandro

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#Mute | La fotografía como un documento.

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Revisar el Facebook, abrir Twitter o tener la gracia o desgracia, según del lado que se vea, de tener un celular con acceso a internet se ha convertido en un ejercicio de derribar barricadas mentales que se filtran a través de la vista.

Destrozo, cauchos quemados, anarquía; ven unos. Banderas, lucha, agresión; ven otros. Sea cual sea el caso el hecho es que se ve. Y en ese acto de ver en ocasiones nos saltamos el paso de pensar y corremos como niños cautivados a juzgar. Ver y juzgar sin pensar es encender la mecha al bidón de gasolina.

Un silencio ensordecedor invade la mente al intentar leer los sin fin de comentarios que se generan alrededor de cada fotografía publicada. En el rostro de aquellos que nos hemos acercado al arte de la fotografía se dibuja una sonrisa al estar conscientes de lo falseable que es la imagen; y no solo por la intervención de los programas de edición con lo que hoy se cuenta; sino que, desde siempre la angulación, la selección que hagas de la realidad, la luz y todos los factores que intervienen en una fotografía van a dar una versión de los hechos, una versión moldeable a nuestras intenciones.

La fotografía como un documento, como una prueba infalible de la verdad invade las redes sociales pero, no se queda solo allí, salta a las pantallas de la televisión y vemos como ministros y gobernantes esgrimen a la fotografía como ventana a la realidad, cuando esta modestamente alcanza a representarla. A representar una realidad escogida; siempre escogida.

Dentro del amplio mundo de la política, de nuestra realidad de país, esto solo aspira ser un comentario ciudadano, colóquese en “mute” antes de sustentar su postura política a través de una imagen. Recuerde que sea caricatura, fotografía o imagen en movimiento (video), siempre lo enfocarás tú, desde lo limpio o sucio que tengas tu lente, dejando pasar luz o no según tu apertura mental. Al intentar capturar la realidad en una imagen no nos quedemos postrados en ella por el contrario que en ver nos hagamos más duchos en juzgar porque las imágenes de la polarización nos hagan pensar.

@yasury26
http://yasurymute.blogspot.com/

Fotografías:

Jhair Torres
jhairt19@gmail.com

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#LaCámaraErrante | “Los Americanos”

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Hoy les quiero hablar de un hombre que si bien no ha sido un fotógrafo de viajes en estricto sentido, documentó a los Estados Unidos mediante un viaje por 48 estados americanos que duró dos años.

El resultado de este trabajo fue un libro que se tituló “Los Americanos” y los críticos lo destrozaron. Las imágenes estaban mal encuadradas, mal iluminadas, eran borrosas, completamente ajenas a la “academia” En “Los Americanos” Frank se olvidó del sistema de zonas, del punto focal, de la composición rigurosa y de todo aquello que representaba la estética aceptada en ese momento.

Pero “Los Americanos” hizo un gran aporte a la fotografía. Trajo al arte de capturar imágenes la categoría de fotografía documental subjetiva en donde, en palabras del propio Frank “mirar hacia afuera tratando de mirar hacia dentro” era lo importante. No si el sujeto estaba bien encuadrado, o nítido; lo importante era que el que se enfrentaba con las imágenes pudiera verse reflejado allí; en lo cotidiano en lo banal, los cafetines, los bares a la orilla de la carretera, los autobuses, los ascensores; esos sitios desprovistos de grandeza y, por que no decirlo, de la sensación épica que daban los anteriores trabajos de gente como Ansel Adams, Eugene Smith, Edward Weston, que se dedicaron a la majestuosidad de los paisajes americanos y a lo interesante del estilo de vida del gigante del Norte.

Frank presentó en su libro toda una narrativa que es una sutil expresión de todo lo que detestaba en su país adoptivo. Nacido en Suiza de una familia judia acomodada, a los veintitrés años se trasladó a Nueva York en donde trabajó para revistas emblemáticas como Harper´s Bazar entre otras. Encuentra inquietante el racismo, la presión social dirigida al consumismo y las obsesiones americanas por posiciones “edulcoradas” de perfección y dobles estándares.

El libro, patrocinado por la prestigiosa beca Gugenheim, no fue publicado por los miembros que otorgaron el premio. Estos miraron con horror el resultado del trabajo y Frank tuvo que irse con su música a otra parte hasta dar con Jack Kerouak quien fascinado promete escribirle el prólogo. El libro con 83 fotografías, algunas densas, de espacios totalmente abiertos, miradas perdidas, otras perfectas, rigurosamente académicas consigue debutar con Robert Delpire quien publica el impredecible y fascinante “Les Americains” en Francia. Mas adelante el sello Grove Press saca “The Americans” con la introducción de Kerouak. En 1962 Robert Frank fue homenajeado con dos exposiciones en el Art Institute de Chicago y en el MOMA. Después de haber sufrido las bajas ventas del libro y de haber recibido amargas críticas de revistas como “Popular Photography” entre otras, Robert Frank estaba viajando en la cresta de la ola. Hoy en día, su trabajo es comparado con la obra de Tocqueville “La democracia en América”. Nada mal para alguien otrora despreciado por los puristas del oficio y por lectores que dijeron que “aquella no es nuestra América. Más bien se parece a Rusia”.

Robert Frank con su lema “mirar hacia afuera tratando de mirar hacia dentro” ejemplifica la subjetividad que todo fotografo viajero debe experimentar al enfrentarse con una posible toma; con su desapego a las formas cuando era necesario para expresar un sentimiento y por el contrario, utilizando todos sus extensos conocimientos cuando era requerido para el mismo propósito influenció la manera de fotografiar en los años 60 y sigue siendo una gran referencia en la fotografía contemporánea. Inspirando a personas como Diane Arbus, Mary Ellen Mark y a cineastas como Wim Wenders. De hecho, ha metido la mano en el cine codirigiendo algunas películas.

En Wikipedia surge esta interesantísima nota al respecto:

“…Su documental de 1972 sobre los Rolling Stones, Cocksucker Blues, es considerado su mejor filme conocido. El filme muestra a los Stones durante su gira del 1972, envueltos en el uso de drogas y el sexo en grupo. Pero quizás lo más que perturbó a los Stones cuando vieron el producto final, fue la manera franca en que Frank capturó fielmente la soledad y desesperación de la vida en la calle. Mick Jagger le indicó a Frank, “Es un jodida buena película, Robert, pero si se muestra en América nunca más nos permitirán en el país.” Los Rolling Stones demandaron para impedir que el filme fuera lanzado, y se discutió si los derechos de autor sobre el material filmado recaían sobre Frank o sobre la banda. La corte resolvió la disputa restringiendo la exhibición del filme a ser mostrado no más de 5 veces al año y solo en presencia de Frank. La fotografía de Frank también apareció en la carátula del álbum Exile on Main St. de los Rolling Stones…”

Otras películas realizadas por Frank incluyen Keep Busy” y “Candy Mountain”, ambas co-dirigidas junto a Rudy Wurlitzer.

“Intento atrapar de nuevo lo que he visto y oído. Lo que he sentido; lo que sé. No existe un momento decisivo. Hay que crearlo. Tengo que hacer lo necesario para que aparezca delante de mi objetivo.” Robert Frank.
Interesante, ¿No?

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#DeLosLectores | “De lo Sagrado a lo Pagano”

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A través de sus habitantes, Petare vive la Semana Santa. Muchos de ellos se reúnen alrededor de la comunidad como protagonistas, otros como espectadores, algunos simplemente se topan con los ritos en las calles que transitan diariamente.

Los petareños se han encontrado por muchos años en los alrededores de la Plaza Sucre entre formas y colores; desde ahí, parten hacia la comunidad de El Nazareno, donde anualmente construyen por meses el Vía Crucis para representar la pasión y muerte de Jesús, caminando desde la calle Bolívar hasta El Morro…

Petare, Semana Santa 2014.

 

Nairoby Leal, Caraqueña nacida en 1982. Educadora egresada de la Universidad Católica Andrés Bello. Actualmente trabaja como maestra de inglés en la ciudad de Caracas. Llegó a Roberto Mata Taller De Fotografía en el 2011 buscando aprender a ver, encontrando su pasión. Desde el 2012 no ha salido del taller. Su trabajo “De lo Sagrado a lo Pagano” se concibió en ese espacio. Afirma que falta mucho por aprender…

Email: nairoby.ml@gmail.com
Instagram: @nairobyleal
Tumblr: http://nairobyleal.tumblr.com/

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#ZoomInstantaneo | Los Roques y sus azules…

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Cuando pienso en Los Roques lo primero que recuerdo es un paisaje idílico que transmite serenidad absoluta. Este maravilloso Archipiélago es uno de los regalos que la naturaleza a Venezuela. Aguas cristalinas, arena blanca y un clima caribeño maravilloso que no todos las personas tienen la fortuna de tener en sus países.

Para llegar a los Roques se puede tomar un avioneta desde Maiquetia que tiene una duración de 30 minutos aproximadamente. Para los mas osados y aventureros hay opciones en veleros.

La aventura comienza cuando se ve el espectáculo de tonos azules desde el aire, es el contraste de colores mas hermosos que recuerdo. Luego de esta aventura se llega al gran Roque y se toma peñero o Catamaran a cualquiera de los cayos que forma parte del Archipiélago. Los mas visitados son Francisquí y Crasquí.

Si desean pasar un par de días en el Gran Roque hay varios tipos de posadas, la mayoría son muy básicas por ser parque Nacional, pero esa es parte de la aventura disfrutar de la naturaleza sin la comodidad de los grandes hoteles. Los lugareños son bastante amables lo que hace del viaje una linda experiencia.

Los Roques es uno de los lugares que considero se debería visitar al menos una vez en la vida. Para mi es uno de los lugares mas lindos que he visitado y que siempre recuerdo con mucho cariño.

Les dejo un par de fotos de este hermoso lugar, para que se animen a visitarlo.
@ZoomInstantaneo

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#Destacados | Cocina y lucha.

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¿ Cocina y lucha ?

Cocina para luchadores es un “coffe table book” cargado de buenas imágenes. Es un proyecto en desarrollo, que está llevando a cabo nuestro amigo Pocho Garcés, esta vez en compañía del lente de Luis Cobelo y Pablo Peña.

Piensan hacer un libro de culto, un objeto de colección, algo para regalar; también es un blog donde contarán la experiencia de la construcción de este proyecto, que no es más que un libro cargado de recetas, de Mexico y su gente.

La dinámica, al igual que el concepto es lo que trae este proyecto a nuestras páginas, pues sale de lo habitual, solo traten de imaginarlo, ¿ luchadores en la cocina ?, acá les dejamos una muestra.

También participan del proyecto Inti Acevedo como cronista y Enrique Luque estará a cargo de la estética.

Si desean saber mas:

https://www.facebook.com/cocinaparaluchadores
https://twitter.com/cocinaylucha
http://cocinaparaluchadores.com/

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#EnUnClick | Marca de agua, ¿sí o no?

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Marca de agua, ¿sí o no?… Viendo la fotografía como un cocinero
Toda mi vida fui cocinero, cuando digo toda la vida, hablo de más de la mitad de ella, más de 26 años en total; he hecho cientos o miles de platos únicos e irrepetibles, y siempre terminaron literalmente hechos “mierda; así aprendí el “no apego a nada”, pues, siempre podemos hacer algo nuevo, o mejor aún, algo parecido.

Ahora lo extrapolaré en una fotografía, un momento único captado por la cámara, con la ayuda del ojo del fotógrafo; un momento convertido en imagen infinita e irrepetible, de la que quizás en otro momento podamos hacer algo parecido, pero jamás la misma. Esa imagen será nuestra para siempre, el menos en nuestra memoria; por eso nunca marcaré una fotografía, siento que afea mi imagen, al extremo de que en algunos casos, pasa a ser el punto focal, opacando lo que antes era una imagen increíble, una imagen única.

Podría entender que aquellos que viven de las imágenes necesiten marcarlas para preservar sus derechos o simplemente para satisfacer su ego, pero si yo lo hiciera, si la marcara, sería como “orinar” sobre la comida, con el único fin de que nadie la comiera.

Es solo es mi punto de vista, el de un cocinero que ahora intenta hacer fotografías.
@tomasnomas29

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#ElOjoQueMira | ¿Por qué necesito estudiar fotografía?

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Entre dilemas fotográficos te veas: ¿Cuanto beneficia a un fotógrafo estudiar en una escuela de fotografía?

La discusión surge de vez en cuando entre fotógrafos: alguien habla sobre las escuelas de fotografía – su pertinencia y necesidad – y muy pronto, comienza un encendido debate entre los defensores acérrimos de la idea y los que insisten, en que la fotografía es poco menos que un instinto que solo necesita pulirse con la práctica. Siempre he pensado que en algún punto entre ambas posturas, se encuentra la verdad y aunque yo no sé aún cual podría ser, continuo intentando comprender ambas opiniones. Después de todos, me he encontrado la mayor parte de mi vida entre ambas visiones – fui autodidacta por mucho tiempo y ahora trabajo en una escuela de fotografía – por lo que tengo quizás una manera de comprender el dilema de manera mucho más directa que la que pueda tener un fotógrafo que solo ha vivido una sola de las experiencias. Con todo, la disyuntiva continúa allí y mucho más desde que la fotografía – como arte y técnica – se popularizó y se democratizó de la manera que lo ha hecho durante los últimos años.

De manera que, una pregunta frecuente que suele hacerse cualquier fotógrafo, tanto profesional como amateur es tan frecuente como inevitable ¿Que tan necesaria es la educación fotográfica? Cuestionamiento que de inmediato lleva a otro muy relacionado con el anterior ¿Necesito cursar algún tipo de curso o aprobar asignaturas para llevar a cabo una expresión artística tan privada como lo es la fotografía?  La respuesta a cualquiera  de ambas cosas es tan complicada como subjetiva y depende de como perciba o bajo qué óptica se comprenda a la fotografía ¿Es únicamente una profesión? ¿ Es solo una herramienta para expresar el lenguaje visual? ¿Cual es el punto medio entre ambas cosas?. Quizás  la forma más sencilla de comprender el tema sea analizando todos los puntos de vista y tratando de desmenuzarlos más allá de la opinión y si bajo una idea mucho más objetiva del tema.

Así que ¿Cuales son la mayoría de las inquietudes que tiene el fotógrafo promedio al momento de decidir como estructurar su educación fotográfica? Luego de preguntar y escuchar algunas respuestas, concluí que podrían ser las siguientes:

* ¿Por qué necesito estudiar fotografía? Los grandes maestros no lo hacían: solo tomaban la cámara y fotografiaban.

La fotografía es una ciencia arte muy joven y su profesionalidad, cosa reciente. De manera que sí, es cierto, ninguno de los iconos actuales de la fotografía acudieron a una escuela de fotografía para aprender…probablemente porque no existían. No al menos, como las conocemos actualmente. Pero la gran mayoría de ellos, si cursaron todo tipo de estudios y grados en artes, arquitectura, diseño gráfico y toda una serie de profesiones que les permitieron comprender el lenguaje visual de una manera profunda. También, la mayoría de los grandes Maestros fotográficos tuvieron la oportunidad de trabajar como asistentes de fotógrafos de renombre o con largos años de experiencia en el oficio que les enseñaron una gran cantidad de detalles técnicos y visuales que de otra manera, les habría llevado décadas aprender por si solos. Asi que de una manera u otra, los fotógrafos siempre se han educado de la mejor manera posible entre los recursos y posibilidades de los que disponían.

Indudablemente, el talento y la pasión por la imagen es un requisito fundamental para todo aquel que quiera llamarse fotógrafo, pero también, necesita pulir esa capacidad de crear para que las herramientas que utilice no sean un obstáculo al momento de crear sino una posibilidad que les facilite expresar las ideas visuales que desea mostrar al mundo.

¿Cual es la respuesta entonces a la pregunta? Estudiar fotografía te facilitará el trayecto en ese largo aprendizaje que tienes por delante como fotógrafo cuando tomas la decisión consciente de dedicarte al mundo visual y al lenguaje de las imágenes. Por supuesto, no todo fotógrafo tiene los medios para  permitirse una educación fotográfica como la que aspira:  no solo hablamos de costo sino de la disponibilidad – y existencia – de planteles educativos que le permitan acceder a los cursos y talleres que necesita. Aún así, asumir que la fotografía requiere un aprendizaje estructurado y que por tanto, es necesario platearse las posibilidades para recibirla, es una de las maneras de comenzar con buen pie en el mundo visual. ¿No puedes estudiar fotografía en una Escuela? Sé el asistente de un fotógrafo con mayor experiencia, intenta aprender lo que puedas del mundo de la fotografía trabajando y formándote a través del trabajo, la observación y el respeto de la profesión. Recuerda, si deseas que te tomen en serio como profesional, toma en serio tu profesión.

* ¿En qué me beneficia estudiar en una Escuela de fotografía? Soy autodidacta y el verdadero conocimiento está en el mundo real.

Desde luego, la práctica y la experiencia de un autodidacta son de inestimable valor. De hecho, estoy convencida que la gran mayoría de los fotógrafos comenzaron por cuenta propia. La experiencia por supuesto, es una parte sustanciosa de cualquier aprendizaje, pero también lo es el conocimiento estructurado. Tener la posibilidad de responder preguntas, escuchar opiniones de expertos en diferentes especializaciones fotográficas, tener acceso a exposiciones, libros, documentos fotográficos, aprender a utilizar tu equipo de la mejor manera posible, conocer todos los trucos y técnicas que te permitirán mejorar tus imágenes, son beneficios que ofrecen las Escuelas de fotografía. Sobre todo, la experiencia enriquece la visión del fotógrafo sobre su propio desempeño y más allá, su manera de comprenderse como parte de una idea de comunidad. ¿Te parece poco importante? Piénsalo dos veces: La gran mayoría de los grandes fotógrafos compartieron experiencias y en muchísimas ocasiones, dedicaron tiempo y considerable esfuerzo a mejorar su ejecución y su técnica fotográfica como parte de una comunidad. Una escuela de Fotografía te brinda la experiencia y además, te proporciona los medios para que el aprendizaje coherente, efectivo y sobre todo eficaz.

* Como profesionales ¿Existe alguna diferencia entre el fotógrafo que estudia en una Escuela de fotografía o el autodidacta? ¿Hay algún prejuicio al respecto?

En Venezuela – y en varios países también – a un fotógrafo se le considera profesional cuando gana dinero por la comercialización de su trabajo fotográfico. Esa es una idea muy amplia por supuesto y abre toda una serie de preguntas que pueden preocupar a un fotógrafo que quiera entrar en el mercado de trabajo: ¿Cual es el estándar de calidad que exige para comercializar cualquier imagen fotográfica? ¿Que elementos debo tomar el cuenta al momento de vender mi trabajo? Lo más preocupante es que  habitualmente la respuesta no es clara sino un conjunto de elementos y razones que crean una visión concreta sobre el tema.

Pero volviendo al tema de la llamada profesionalidad de la fotografía, los cuestionamientos son complejos y tienen respuesta complejas, claro está. Porque no hay mayor diferencia en el resultado del aprendizaje entre un fotógrafo autodidacta y otro escolarizado – quizás, el tiempo que le puede llevar alcanzar un nivel de preparación lo suficientemente idóneo como para trabajar en el mercado laboral –  si pudiera existirlo en la manera como ambos estructura, ordenan y sobre todo, comercializan su trabajo. El mundo fotográfico no es un negocio sencillo, mucho menos un mundo fácilmente comprensible: Cambia todos los días y sobre todo, se hace cada vez más complejo y exigente a medida que crece y obtiene una mayor respetabilidad y reconocimiento. De manera que, el fotógrafo autodidacta debe aprender por cuenta y riesgo propio todos los secretos que le permitirán vender su trabajo a un publico cada vez más amplio y exigente, la forma como recorrer el tortuoso camino de comercializar su producto como marca personal. El fotógrafo escolarizado tiene los medios y herramientas para conocer mucho mejor el mercado, aprender técnicas precisas de comercialización y venta de su producto y sobre todo, alcanzar con más rapidez el estándar optimo de calidad que el mercado requiere. En otras palabras, aunque en esencia no exista mayor diferencia, un fotógrafo autodidacta tendrá que tropezar muchas veces para alcanzar el mismo resultado que un escolarizado en mucho menos tiempo.

* Mi padre, Madre, herman@, espos@ es fotógrafo y lo he visto trabajar, no necesito cursar ningún curso o taller.

Una idea común: obviamente, el fotógrafo que tuvo la oportunidad de educarse junto a otro de mayor experiencia, tendrá una considerable ventaja con respecto a otro que esté intentando aprender por su cuenta. La experiencia señala que este aprendizaje continuo y vivencial ofrece al futuro fotógrafo una visión privilegiada del mundo de la imagen y le permitirá comprenderla con mucha más precisión que alguien que no tuvo la misma oportunidad. Pero aún así, el aprendizaje es individual, es una experiencia personal que dependerá de una serie de factores que tienen mucha relación con la manera como el fotógrafo en formación comprende la imagen o en todo caso, la analiza. La fotografía es un arte – técnica personalisimo, que se perfecciona con la educación, la experiencia y el aprendizaje. Un fotógrafo crece a medida que su manera de crear evoluciona, en su capacidad para expresar ideas coherentes a través de la imagen y sobre todo, durante ese largo aprendizaje tiene mucho de construir  una visión personal del mundo visual. Cada una de estas cosas, requiere trabajo, esfuerzo y la mayoría de las veces, una experiencia constructiva de aprendizaje estructurado.

* ¿Cuando soy profesional de la fotografía? ¿Depende de los cursos y talleres que he tomado? ¿Una escuela de fotografía hará que lo sea más rápido?

Como lo dije más arriba, en Venezuela – y en varios países del mundo – un fotógrafo se considera profesional cuando puede ganar dinero a través de su trabajo visual. Una idea muy ambigua claro está y que deja abierta una serie de posibilidades en cuanto a la estructuración y sobre, cuestionamientos muy válidos sobre la calidad del trabajo que se ofrece y cual es el estándar en que se debe asumir para considerarse parte del mercado Laboral.  ¿Depende de los talleres y cursos que hayas tomado? En Venezuela, aún la fotografía no es considerada carrera técnica o Universitaria, como si lo es en países como Argentina, Chile y México, de manera que la respuesta más pragmática sería no. Pero obviamente, una mayor educación, experiencia y dedicación a la fotografía brindará una mayor calidad a tu trabajo y lo hará mucho más mercadeable. De manera que la respuesta a las preguntas podría ser: eres profesional en tanto tu trabajo tenga calidad para venderse y además, conozcas los medios para comercializarlo de la mejor manera posible.

¿Responde esta pequeña reflexión todas las preguntas que tienes sobre una posible escolaridad fotográfica? Supongo que no, pero aún así, te permitirá tener una idea más o menos clara de como podría beneficiarte invertir en tu educación fotográfica de manera directa.
www.aglaiaberlutti.com

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#UnCuartoParaL@sTres | ¿ Quién Soy ?

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Es la pregunta que ella se hace mientras mira su reflejo en el charco. Una lágrima corre y conecta sus lunares, los que la muchedumbre alababa al compás de cada flash que sonaba.

Soy una más del montón

Ella se pregunta en qué momento la realidad se convirtió en fantasía, y lo que ella conocía se disolvió como arena entre los dedos. Se vio en cada mural, en cada pantalla, en cada hoja de papel. Su originalidad fue lo que la llevo a estar en boca de todos, siempre arriba, viviendo la vida que “merecía”.

Va caminando con sus tacones gastados y un abrigo de segunda, rozando con su mano todas las paredes que consigue. Las texturas le hacen pensar que todavía siente, que no es una figura de piedra, un objeto desubicado en un paisaje deshabitado. A ratos se reconcilia con su pasado pero la ironía de la vida le gana; el mal karma la acompaña. No entiende cuando dejó de ser.

¿Que soy?

Un perro pasa a su lado; ella, presurosa, intenta recordarle. Cree que tuvo uno parecido y busca en su bolsa de recuerdos un recorte amarillento de un periódico de algún momento, que le recuerda a ese perro, a sus lunares y a la luz del flash que la acechaba. Solo le llegan a la cabeza un par de tragos que le decían “uno más, por favor”, mezclado con algunas dosis de “no volveré a hacerlo” y una inyección de arrepentimiento que la devuelven a la calle por la cual deambula, con sus lágrimas descoloridas haciendo conexiones geométricas en su rostro, rozándole la boca y dejándole una sed agridulce en sus labios. Ya no sabe lo que es, o en lo que se convirtió.

¿Y tú quien eres?

Una reproducción de la vanidad y el deseo de una época venida a menos. Una imagen multiplicada mil veces, banalizada y ahora convertida en despojo. Una ícono adorado y ahora olvidado. Soy lo que tú eres, una imitación de lo que deseas llegar a ser y buscas a través de los atajos; una presa fácil de la corriente, con la que a veces te dejas llevar, pero que te sumerge sino te preparas para escapar de ella.
Un farol desprende luces que le hacen pensar que esta es su última fotografía. Se limpia las lágrimas, se pinta los labios, y se lanza a un narcótico sueño del cual no quiere volver a despertar.

Esa soy yo. Esa eres tú. Soy tu copia. Una vulgar fotocopia.

yosselyn@gmail.com
@yosselynn

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#MontadoEnLaOlla | La foto, el horizonte y el Cambio de clave.

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Cuando comencé a estudiar diseño, recuerdo, el formato de trabajo era –hoy lo entiendo– lo más importante. Todas las entregas eran presentadas, por exigencias de la escuela, en proporción 1:1. No estábamos preparados para hablar de formato “alto”, mucho menos “apaisado”.  No existía instagram ni esta moda de las cosas “cuadradas”. Siempre he andado lejos de las modas, podría jurar que en dimensiones distintas y a miles de kilómetros de distancia de ellas.

Buscando no encajar en un “grupo” aparcaba en otro: el grupo de los que no encajan en otros grupos. Nunca quise ser diferente, sólo normal, eso sí, sin norma, era entonces cuando sentía que tampoco quería estar en la caja de los que no caben en otras cajas. Me han llamado hippie, bohemio, artista, vago, poeta, sensible, amargado, genio, mamarracho, mujeriego, músico, mentiroso, encanto y qué se yo cuantas cosas más. Por fortuna y para mi felicidad, jamás me han llamado “comerciante”.
La moda me alcanzó o yo llegué a ella o simplemente nos encontramos. Ahora uso Facebook, Twitter, instagram y tengo un iPhone.  Me fui por el formato 1:1 y por supuesto, desde ese día he tenido discusiones con amigos, me han dejado algunos aviones, he perdido varios contratos y un montón de sonrisas, por “cuadrado”, eso me han dicho.
Me gusta ver fotografías apaisadas. Son mis favoritas. Pero siempre fotografío en vertical y después las llevo al cuadrado. Es como si me diera miedo ver lo que miro medido con el horizonte. El firmamento, en otras fotos, me llena de sensaciones tan inmensas como sabrosas, tan extrañas como fantasiosas. El formato puede hacer la diferencia.
El horizonte puede mostrarme la verdadera distancia entre el cielo y el mar, invita a asomarme en la inmensidad y descubrir las naves “flotonas” en direcciones distintas sobre la misma mar, cuyo destino será la orilla. Puede mostrarme las líneas que dibujan el camino que falta por recorrer o las nubes descarando formas y luces. Una vertical me pone –ante los ojos– la grandeza, la soledad y la firmeza de estar vivo con elegante dignidad, pobreza y belleza, aunque me oponga al efecto de la fabrica de nubes negras. Una cuadrada hace que mis ojos se den el banquete del color inflexible, me muestra las geometrías redondas y la verdad detrás de los genes.
Ya no soy el mismo y me encanta no serlo, hay cosas que no cambiarán jamás, pero he cambiado. He cambiado la clave. La clave es mirar. Creo que ahora estoy mirando al lugar correcto y no paro de reír y sonreír y volver a reír, aunque llore. Me he encontrado con viejos amigos y he recibido a gente nueva, hasta tengo un grupo en whatsapp que me divierte y me reconcilia con la felicidad, me hace parecer loco cuando ando en la calle porque me río de todo y de nada, me doy cuenta que, en la calle, ya la gente no se ríe, ni en las reuniones de trabajo, ni en la intimidad de la familia. Yo ahora me río y mi propósito es seguir riendo. Tengo nuevos propósitos y una nueva dirección: un horizonte. Sigo sin escuchar reggaetón.
http://pochogarces.com
@pochogarces
@recetasen140
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Fotografiás: @rarispe, @cerezapiche, @yurarod, @pochogarces

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#ArteXArte |In Your Face, por Mario Testino

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Mario Testino, Fotógrafo de moda y retrato, Peruano de nacimiento y actualmente radicado en Londres se encuentra visitando la ciudad de Buenos Aires, Argentina a través de su muestra fotográfica en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (14 de marzo hasta el 16 de Junio).

Mario Testino conocido por haber realizado trabajos para importantes revistas como Vogue y Vanity Fair,  para firmas como Versace y Gucci, ha fotografiado a celebridades como Lady Gaga, Rihana, Gisele Bundchen, Kate Moss, Julia Roberts; Nahomi Cambel, Mick Jagger, Brad Pitt, David Beckham, entre otros, trae a Buenos Aires la muestra In Your Face,..” quiero que mi trabajo se presente sin excusas ni inhibiciones, In Your Face quiere decir, acá lo tienes míralo y esto es lo que es”. “Estoy encantado de poder compartir mi obra en este país fascinante y hermoso, cuya tradición, elegancia, historia y energía me han servido de gran inspiración”, dice Testino.

Tengo que contarles que me sentía muy emocionada el día que fui a la exhibición, tenia muchas expectativas que fueron superadas al ver 122 imponentes fotos. Son imágenes que superan la moda y la producción que hay detrás de ellas, imágenes se quedan en el ojo del espectador como algo que sobrepasa el limite de lo inesperado, Testino habla en ellas de la irreverencia,mezclada con la finura, clase y belleza.

Si estas o tienes pensado visitar Buenos Aires incluye en tu itinerario una visita al MALBA, te iras mas que satisfecho. Les dejo una pequeña muestra de las fotos que tome ese día que visite la exposición.
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#Editorial | Mayo – Junio 2.014

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En tiempos de crisis…
Bien lo decía Claudio Napolitano una vez: “Los venezolanos venimos del futuro, estamos jodidos y el resto del mundo va para allá”.

Es asombroso, nuestra capacidad para lidiar con el “no tengo presupuesto”, “no se consigue”, “no hay”, no tienes límites… Fotografiar no escapa de esa realidad, encontrar equipos, utilería y hasta modelos se ha convertido en toda una experiencia que colinda con la aventura.

Este número es una muestra de que se puede continuar adelante a pesar de todas los contratiempos, costó, pero se hizo.

Gracias a todos aquellos que siempre están pendientes y hacen realidad este proyecto.

“Por ahora” seguimos vivos y rumbo a nuestro primer aniversario; ese número no se lo pierdan, votaremos la casa por la ventana…

Ricardo Arispe.

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